Fiebre del Sábado Noche : Saturday Night Fever

Saturday Night Fever (Fiebre del sábado noche en España y Fiebre de sábado por la noche en Hispanoamérica) es una película musical estadounidense de 1977, dirigida por John Badham y protagonizada por John Travolta y Karen Lynn Gorney en los papeles principales. El guion está basado en un artículo redactado por el escritor londinense Nik Cohn, publicado el año anterior en la revista New York titulado «Ritos tribales del nuevo sábado en la noche».​

John Travolta fue candidato al premio Óscar 1977 al Mejor actor principal por su papel en esta película.

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Argumento

La película trata sobre la vida de Tony Manero (John Travolta), un muchacho neoyorquino italoestadounidense con mucha personalidad, pero también duro y a veces rudo con las damas, que trabaja en una tienda de pinturas en su barrio; también tiene una familia disfuncional, sus padres no se llevan bien con él ni entre ellos.

La vida de Tony cambia cada sábado por la noche bailando en la discoteca Odisea 2001, donde es una estrella, admirado por su excelente forma de bailar. En la discoteca Tony conoce a Stephanie Mangano (Karen Lynn Gorney), que se transforma en su pareja de baile para participar en un campeonato de baile que se realizará en la discoteca.

Tony intenta una relación amorosa con Stephanie en sus sesiones de baile y prácticas para el campeonato de baile, pero ella lo rechaza a pesar de sentirse atraída hacia él; aun así, acepta ser su compañera de baile. Las razones por las cuales Stephanie no quiere nada personal con Tony son varias: es más seria, culta y madura, convive en Manhattan con un amigo y planea mudarse allí para seguir una carrera universitaria y buscar mejores oportunidades de vida.

El hermano mayor de Tony, Frank Manero hijo (Martin Shakar) abandona la carrera de sacerdote, entre otras razones porque ya no aguanta más el celibato sacerdotal, causando gran desazón a los padres, pero alegrando a Tony por su decisión. Conflictos familiares, amorosos y juveniles se entrecruzan para terminar algunos en tragedia. Annette está muy enamorada de Tony, pero él la rechaza por ser una chica fácil.

Tony tiene su propia pandilla, los Caras, que mantiene peligrosas disputas con otras pandillas del barrio. Uno de los amigos de Tony, Gus, es agredido por los Barracudas, una pandilla de puertorriqueños, así que los Caras en venganza atacan su club y les dan duro, pero después Gus les sale con que no está seguro de que fueron los Barracudas quienes lo atacaron.

Llega el momento del campeonato de baile en la discoteca; Tony y Stephanie ganan el concurso; Tony, convencido de que una pareja portorriqueña bailó mejor que ellos, les da el primer premio, se loquea, pega a Stephanie e intenta violarla en el auto de Bobby C. Ella logra liberarse y sale del coche tras dar un rodillazo a Tony en la entrepierna.

Bobby C. tenía el grave problema de haber embarazado a una chica llamada Pauline y no querer casarse con ella, a pesar de a que su familia y la de ella querían que lo haga. Él es el chofer de los Caras, pues todos se trasladan en su automóvil. Finalmente Bobby se suicida tirándose al río, dejando a su familia en la más completa desazón y a Pauline convertida en madre soltera.

Tras esta tragedia, Tony abandona a los Caras y decide mudarse a Manhattan para estar cerca de Stephanie y cambiar de vida. Le pide perdón, se reconcilian y acuerdan en quedar como amigos. Tony ha madurado y decide seguir el ejemplo de Stephanie, de progresar en la vida.

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Comentarios

Esta película fue un éxito en taquilla e impulsó el movimiento Disco por todo el mundo convirtiéndose en un fenómeno sociocultural que cambió drásticamente el estilo de vida por aquella época. En la película se sugiere un estilo diferente de vivir la vida a través de temas de la cultura Disco, como la forma de vestir (uso de plataformas, camisas de cuello en V, pantalones de campana) y el baile, influenciando enormemente a la generación de la década de 1970, por lo que no es difícil ver las raíces de este estilo aún vigente en la cultura pop. También destaca el papel de los DJs y los decorados, muy luminosos gracias al uso de la Disco ball, luces estroboscópicas y pistas de luces.

En plena efervescencia disco es destacable la banda sonora de la película, interpretada por varios cantantes de la década de 1970, donde destaca principalmente la aportación de los Bee Gees.

Con unos 30 millones de copias vendidas​ es frecuentemente considerada como la mejor banda sonora de todos los tiempos. Hasta el estreno de El guardaespaldas, en 1992, fue la banda sonora más vendida de todos los tiempos, pero aún hoy ninguna otra banda sonora ha logrado posicionar al mismo tiempo cinco canciones en el Top 10 de Billboard.

Footloose – Final Dance

Footloose es una película romántica americana estrenada en 1984, dirigida por Herbert Ross y protagonizada por Kevin Bacon, Lori Singer, Dianne Wiest, John Lithgow y Frances Lee McCain.​

Está ligeramente inspirada en hechos reales ocurridos en la pequeña comunidad rural religiosa de Elmore City, Oklahoma.

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Argumento

Ren McCormack es un adolescente de los años cincuenta que ha vivido siempre en Chicago, hasta que se traslada a una pequeña localidad en el centro del país, donde el ayuntamiento ha prohibido el baile y la música rock después de que cinco jóvenes murieran en un accidente automovilístico tras una fiesta, en la cual bebieron licor y bailaban ese estilo de música.

Al principio Ren baila a escondidas y con su actitud respecto al baile él tiene que encontrarse con enemistades, pero con el tiempo también despierta entre sus compañeros de la escuela la pasión por la música y el baile y todos ellos se unen para reivindicar la fiesta de graduación de la escuela con las autoridades del pueblo. Frente a su petición, encuentran la severa oposición del Reverendo (pastor) Shaw Moore, el cual tiene mucho apoyo en la localidad y que es especialmente hostil al descubrir que su hija Ariel ha sido seducida por Ren.

Sin embargo finalmente logran convencer a las autoridades del pueblo para hacer una fiesta de graduación de la escuela en un granero al límite del condado, donde todos ellos se reúnen para bailar y disfrutar de una fiesta con sus amigos de la escuela.

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Elenco

• Kevin Bacon como Ren McCormack.
• Lori Singer como Ariel Moore.
• Dianne Wiest como Vi Moore.
• John Lithgow como Reverendo Shaw Moore.
• Sarah Jessica Parker como Rusty.
• Chris Penn como Willard Hewitt.
• Frances Lee McCain como Ethel McCormick.
• Jim Youngs como Chuck Cranston.
• John Laughlin como Woody.
• Lynne Marta como Lulu Warnicker.
• Douglas Dirkson como Burlington Cranston.

The Traveling Wilburys – End Of The Line

«End of the Line» es una canción del supergrupo Traveling Wilburys, publicada en su primer álbum de estudio, Traveling Wilburys Vol. 1. Publicada también como segundo sencillo promocional del álbum, la canción incluye a todos los miembros de Traveling Wilburys, excepto Bob Dylan compartiendo la voz principal: George Harrison, Jeff Lynne y Roy Orbison cantan el estribillo por turnos, mientras Tom Petty canta las estrofas. 

El sencillo alcanzó el puesto 63 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 y el dos en Mainstream Rock Tracks.

El video musical de «End of the Line» fue filmado después de la muerte de Orbison a causa de un infarto en diciembre de 1988. Para compensar la pérdida, escenas de una guitarra en una mecedora y al lado de una fotografía de Orbison se usaron cuando se escuchaba la voz de Orbison en la canción.

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Versiones

La canción fue incluida en los créditos finales del último episodio de la sitcom británica One Foot in the Grave, así como en Checking Out, una comedia producida por George Harrison. Una versión interpretada por Dennis Waterman fue también utilizada como tema musical para el capítulo piloto de la producción de la BBC New Tricks. La canción fue también incluida en el spot televisivo del largometraje de 2004 La terminal, así como en el tráiler de la comedia de 2007 Knocked Up.

Tom Petty interpretó la canción durante varios conciertos de su gira de 2008 por los Estados Unidos.

Kris Kristofferson – Me And Bobby McGee

«Me and Bobby McGee» es el título de una canción compuesta en 1969 por Kris Kristofferson y Fred Luther Foster, grabada por primera vez en 1970, en la interpretación de Roger Miller. La versión más conocida y exitosa es la de Janis Joplin, que forma parte de su álbum Pearl y también como sencillo, publicados ambos a comienzos de 1971. Tras la muerte de la cantante, en octubre de 1970, logró mantenerse por más de dos semanas como canción número uno en los Estados Unidos. Era la segunda vez en la historia que una canción lanzada de manera póstuma accedía a este lugar.

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Tema de la letra

El texto de la canción describe aventuras de viaje por carretera, un tema bastante frecuente en el country de la época. Ofrece pinceladas de situaciones y estados de ánimo típicos de cuando una pareja viaja a la aventura, con pocos recursos. En el primer verso los dos amigos, o quizás amantes, quieren dirigirse hacia Nueva Orleans, están extenuados y esperan un tren. Justo antes de que comience a llover deciden hacer autoestop y los recoge un camión que los lleva directamente hasta su destino.

Cantan los blues que el conductor conoce, están contentos y tocan la armónica. El siguiente verso es un recuento del camino ya recorrido con Bobby que viaja a través del país desde Tennessee a California. Han estado juntos «en todo tipo de clima» (manera metafórica con la que el hablante se refiere a las experiencias buenas y malas que han vivido en el viaje).

En algún lugar no muy determinado, cerca de Salinas (California), Bobby se marcha y su pareja se queda sola, comienza a beber y acaba en una playa mirando las estrellas. La canción repite dos veces un estribillo con contenido casi filosófico «Freedom’s just another word for nothin’ left to lose» («Libertad es solo otra palabra para ‘no queda nada que perder’»). Ser libre consistiría en dejar de poseer aquello que, mientras se tiene, importaría bastante perderlo. Esa sola línea, indudablemente bien lograda de Kristofferson, transformó la canción en algo así como un himno hippie.​

Lo interesante de la frase es que se ha interpretado tanto en un contexto privado (referido a la pareja que se pierde, con un sentido muy literal o individual) como también referida a contextos sociales más amplios, casi como discurso político radical: quienes no tienen nada que perder serían más libres de jugárselas por sus ideales. El propio compositor, en cambio, consultado en una entrevista sobre el significado de su verso, ha dicho lo siguiente:

It definitely expressed the double-edged sword that freedom is. Unless you’ve lost everything – and I certainly haven’t – you’re not free. If you’ve got a family you’re not as free as if you’re alone. But nobody wants to be alone. I have no illusions I’m free. I’m chained to a lot. But I don’t want to get free of my family, my home, and people I love. I like the responsibilities that keep me from being free.

Definitivamente expresaba la idea de que la libertad es una espada de doble filo. A menos que hayas perdido todo – y, por cierto, yo no lo he perdido todo – no eres libre. Si tienes una familia no eres tan libre como si estás solo. Pero nadie quiere estar solo. No me hago la ilusión de que soy libre. Estoy encadenado a una gran cantidad de cosas. Pero no quiero liberarme de mi familia, de mi hogar, y de la gente que quiero. Me gustan las responsabilidades que me impiden ser libre. – K. Kristofferson.​

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Historia

En 1969, Kris Kristofferson había comenzado a hacer sus primeras experiencias como compositor e intérprete, grabando para el sello «Combine Music» que pertenecía a Fred Foster. Allí trabaron amistad y desarrollaron un trabajo conjunto muy productivo. En el momento en que se grabó «Me and Bobby McGee», su amigo y coautor Foster era también propietario del sello Monument Records, y del correspondiente estudio de grabación y sonido, Monument Recording. Kristofferson ya había grabado allí una canción que compuso cuando aún no era famoso, con el título «Help Me Make it Through the Night».

Ricky Nelson – I Will Follow You

Una melodía originalmente grabada en 1961, » I Will Follow Him » fue interpretada por primera vez por Franck Pourcel. Inicialmente, era un instrumental titulado «Chariot». Sin embargo, obtuvo su mayor éxito y popularidad a través de la grabación de Little Peggy March en 1963.

El instrumental original «I Will Follow Him» ​​fue escrito por los compositores franceses Franck Pourcel y Paul Mauriat. Luego fue adaptado por Arthur Altman y Norman Gimbel les dio letras en inglés.

Además, la canción se convirtió en una canción popular en los años 60 obteniendo diferentes interpretaciones. Además, entró en bastantes listas de éxitos diferentes en todo el mundo. Desde Estados Unidos hasta Filipinas y desde Europa hasta Oceanía. Así de grande era la canción a mediados de la década de 1960.

Con todas las diferentes versiones, la de Little Peggy March seguía siendo incomparable, ya que allanó el camino hacia el éxito de la canción. Su versión pasó a la lista en el no. 1 en el Billboard Hot 100 en 1963. Tenía solo 15 años cuando grabó la canción. Por lo tanto, fue la artista femenina más joven en tener un sencillo en la cima de las listas de Estados Unidos.

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Ricky Nelson

Uno de los ídolos más grandes de los años 50 fue el elegante cantante Ricky Nelson . Durante su era, hubo muchos artistas en ciernes y talentosos con los que tiene que competir en el centro de atención. Al ganar más popularidad en las grabaciones de pop / rock, logró obtener más impulso promocional que cualquier otro músico de rock en los años 50. Sin embargo, no fue el mejor cantante. Elvis Presley, Gene Vincent, Carl Perkins y muchos otros son incluso mejores que él. Pero Nelson fue extraordinariamente consistente durante los primeros cinco años de su carrera discográfica.